O cinema é uma forma de comunicação forte. Assim como o jornalismo, ele pode divulgar idéias de forma eficiente, justamente por envolver tantas ferramentas poderosas na sua linguagem. E pensando nessa possibilidade, imaginei dois filmes que trataram de um tema que sempre é polêmico e que cutuca a nossa realidade.

Política. Acabamos de sair de um período de eleições. Acho que cada um percebeu como política é algo complicado e “gelatinoso”. E que aqui no Brasil, cada vez mais vira palco de palhaçada. Ela sempre trás polêmica quando é citada, seja na escrita, na música ou no cinema. Cada um tem sua opinião, e eu nunca vi um povo para ter tanta opinião como as pessoas de hoje. E vale lembrar que ter opinião, agora, não quer mais dizer ter “discernimento sobre o assunto e ter argumento formado”, mas apenas “eu tenho boca e quero falar”.

Então, puxando a pauta da política, lembrei dois filmes que tive o prazer de rever nos últimos dias. “Cidadão Kane” (1941), de Orson Welles e “Todos os Homens do Presidente” (1976), de Alan Pakula.

Ambos são filmes que abordam temas políticos. Um mais direto que o outro. Um mais histórico que o outro. Um mais audacioso. Mas ambos polêmicos para a sua época. Ambos antigos. Ambos atemporais. Ambos excelentes e que deveriam constar na lista de qualquer um que se interessa pela “arte” da comunicação.

Para não ficar extenso, dividirei a coluna em duas partes. Falarei de um filme, e próxima semana, vocês conferem o outro e a conclusão do tema.

Cidadão Kane. Primeiro de tudo, devemos levar em conta a época em que o filme foi realizado. Se hoje ele provoca discussões e faz a gente pensar, imaginem o impacto que ele teve na década de 40, denunciando a sujeira do sistema jornalístico em uma época cheia de regras de conduta e tradição!

Depois, Welles trouxe quase o anticristo para protagonizar o filme! Um cara egoísta, egocêntrico, quase um canalha… Enfim, o lado B dos galãs. Resultado: críticas ruins e pessoas saindo da sala de exibição no meio do filme.

Rola uma metalinguagem de leve no filme: um documentário é exibido e nos avisa que um homem importante da época acabara de morrer. Aquele mesmo que sussurrou “Rosebud”… Charles Foster Kane. É sobre ele que se desenrolam as próximas cenas do filme. Na tentativa de descobrir o significado do último suspiro (sem piadinhas) de Kane, um grupo de jornalistas sai em busca de descobrir a resposta. Tudo para tornar mais interessante e inédita a matéria que seria produzida. Inicia-se, então, um processo investigativo. Jornalistas colocando-se como “detetives da matéria mais verdadeira”.

O jornalista Thompson (William Alland) entrevista várias pessoas que tiveram contato intenso com o faleicido magnata: sua ex-mulher, seu melhor amigo, seu mordomo etc. A busca pelo significado da palavra “Rosebud” vira, então, apenas um pretexto para explorar os limites do homem na época.

Tornando ainda mais polêmica a obra de Welles, existe a incrível semelhança entre a vida do jornalista William Randolph Hearst, que organizou um movimento anti-Kane, movimento esse que ocasionou o pouco público do filme. Nos dias de hoje seria o contrário! Prova disso foi o livro “O Código Da Vinci”, de Dan Brown. Bastou a Igreja dizer que o livro não deveria ser lido que até quem não gostava de ler quis ler o tal.

Imagino se, quando o Roberto Marinho morreu, alguém ouviu as suas últimas palavras ou se houve algum processo jornalístico como esse… Assim, óbvio, tiveram inúmeras matérias escritas sobre o falecimento do homem por trás do império da Globo, sistema de comunicação que tem a capacidade de provocar mudanças em trajeto de furacões aqui no Brasil. Teve inclusive o livro do Pedro Bial, que pode até se encaixar nesse estilo de jornalismo investigativo, já que ele usou de diversas fontes – oficiais, secretas e profissionais, diversas entrevistas com pessoas que participaram direta ou indiretamente da vida de Roberto Marinho. No mínimo, semelhante com o Thompson “xeretando” sobre o Sr.Kane aí, não? Entretanto, hoje em dia a imprensa anda tão apática e vendida, que eu, como leiga no assunto, considero essa produção do Bial uma exceção.

Existe outra relação com tempos mais atuais. Em determinado momento de “Cidadão Kane”, Sr. Kane se candidata ao posto de governador. Bem possível que ele ganhasse, certo? Ele era popular, era dono de um jornal querido e lido pela maioria, tinha a simpatia de muitos. Todavia, o “comigo-ninguém-pode” é ferido com o próprio “ganha-pão”. Seu suposto caso com uma cantora qualquer vira manchete e toda a fachada de “chefe de família e ilustre marido” vão por água abaixo. E lembrem que isso costumava ser um valor respeitadíssimo na época… Essa situação me lembrou o Escândalo Lewinsky, quando veio � tona a notícia de que o presidente dos EUA na época, Bill Clinton, mantinha uma relação não muito ética com a sua secretária, Mônica Lewinsky. E tudo isso começou quando Linda Starr, amiga da Lewinsky, entregou gravações das conversas do Clinton com Lewinsky para o jornal Kenneth Starr. Olha só.

“Cidadão Kane” é sensacional. Mantém-se atual, apesar de ser o senhor de sessenta anos. E o motivo para tanto “rejuvenescimento”? A nossa contínua situação política. Todas as críticas feitas no filme podem ser feitas a elementos contemporâneos. Em uma época em que notícias são escolhidas de acordo com a reação intencionada para o telespectador, e não de acordo com sua veracidade e importância, “Cidadão Kane” cai como uma luva. Toda a corrupção que é cometida dentro até da normalidade, os egos inflamadíssimos…

É compreensível que muitos não gostem do filme. Mas é inacreditável que alguém não reconheça a sua importância, tanto no avanço em termos de linguagem cinematográfica (roteiro, fotografia, interpretações, maquiagem, posição de câmera, profundidade…) como pelo conteúdo explorado por Orson Welles em seus jovens 25 anos de idade.

Partindo para um roteiro mais biográfico, “Todos os Homens do Presidente” trás uma exposição maior e uma possibilidade de acompanharmos esse jornalismo investigativo no cinema. Quem não viu algum dos dois filmes, vale muito a pena! Até a segunda parte e, por hoje é só, pessoal!

Apesar de ser nova no mercado das animações, a Blue Yonder Films/Kanbar Entertainment não se saiu mal. Com uma interpretação diferente da história super conhecida da menina de capuz vermelho, a animação me rendeu boas risadas, apesar dos vacilos nos clichês e nas musiquinhas bregas.

Apesar dos traços diferentes e dos personagens não tão desenvoltos como estamos acostumados a ver nos sucessos da Pixar e da Dreamworks, “Deu a Louca Na Chapeuzinho Vermelho” conseguiu tirar boas risadas da minha pessoa. E, diga-se de passagem, da minha vizinha mais ainda!

Desde a primeira vez que vi o trailer, fiquei ansiosa para ver o filme na íntegra. Aquele esquilo hiperativo e aquelas tartarugas tentando correr me mataram de rir. Mas eu costumo rir de muita besteira e tenho um verdadeiro vício em animações, principalmente com bichinhos e com muito humor – melhor ainda se for inteligente, como em “Os Sem-Floresta”.

Então, finalmente assisti ao lado B da história da Menina-Chapéu e, apesar do estranhamento com a forma de desenho diferente, gostei bastante. Sim, adoro ver versões das coisas. Tanto de músicas como de filmes. E quando parte para a comédia, melhor ainda. A história da Chapeuzinho original é um porre. Sou mais a da Branca de Neve – aqueles anões são sensacionais! Então, fazer uma versão daquela historinha foi uma tirada super bacana. E já que é uma versão nova, que seja a versão inesperada de cada um dos personagens principais.

O Lobo. Não, ele não é tão mal assim. E nem queria comer a Chapeuzinho. Nem no sentido literal, nem no sentido dos tarados de plantão! Na verdade verdadeira, ele era um jornalista! Genial! Será que o diretor tem raiva de jornalista? Quis comparar a raça a lobos? Bem, eu, como publicitária, sou suspeita a fazer piadinhas. Até porque gosto mesmo é de Comunicação, logo, me apetece muito certas áreas do jornalismo. Enfim, o Lobo era um jornalista famoso por seus furos de reportagem e estava buscando informações para sua coluna sobre o “ladrão das receitas de doces”. A Chapeuzinho apenas estava no meio da enrolada, ora. Agora, melhor do que ele ser um jornalista, é a frase que ele solta durante um momento difícil: Devia ter sido mesmo era crítico de cinema! Olha só! Estou no caminho certo!

Ligerinho. Um lobo jornalista precisa de uma equipe, certo? Então, aqui está o fotógrafo. Um esquilo extremamente hiperativo, obviamente chamado de Ligeirinho. Sim, o nome não foi lá muito original, mas o esquilo é dos bons. Hilário! Deve ser um primo não tão famoso do Hammy. Identifiquei-me demais com o pequeno peludo. Primeiro, ele é hiperativo, nervoso, fala rápido e quase ninguém o entende. Segundo: ele é fotógrafo! E ainda fala o nome das lentes e das câmeras! Muito bom.

Chapeuzinho. Ah, ela só é uma menina que sabe lutar bem. Não me provocou muita empatia não. Tem a voz da Anne Hathaway, que já não é uma das minhas preferidas (essa aí só começou a ter moral comigo depois da partipação em “O Diabo Veste Prada”, então…), fora que os dotes dela não são nem de longe engraçados. Acho que faria muito mais sucesso se ela fosse uma patricinha reclamona da vida na floresta, desengonçada ou com algum tique nervoso engraçado… Sei lá.

A Vovó. Essa daí também não fez muito meu gênero. Gostei do inverso extremo de ser uma vovó radical e tal. Mas não morri de rir. Tem, sim, umas encaixadas legais. Por exemplo, quando ela está no telefone com a Chapéu e parece que está com agulhas de tricô na mão, enquanto, na verdade, são dois esquis.

O Lenhador. Pronto. Esse daqui eu gostei também. O ator mongol que quer passar num comercial de desodorante ou sei lá o que é. As partes dele tentando aprender a cortar madeira são divertidas. E as referências a ele dentro do filme também são bem engraçadas.

Resumindo. Entre os quatro personagens, o Lobo e o Ligeirinho são os mais queridos. O Lenhador vem na rabada e a Vovó e a Chapeuzinho, bem, vamos deixá-las de lado.

Mas isso não é tudo. Acho que os personagens que nasceram especialmente para essa versão B são os mais legais da história. O porquinho policial, a cegonha assistente, o sapo inspetor… Todos têm tiradas engraçadas. Agora, não posso ficar sem falar do mais perturbado de todos: o Bode!

O Bode. Só com aqueles chifres o cara já ganha! É chifre para tudo! Os cornos devem ter ficado felizes descobrindo tanta utilidades para seus chifres, ou com inveja, diante do aparato do Bode. Mas ele vai além da estética! Ele canta! Aliás, ele “só” canta, por causa do tal feitiço da bruxa. Mesmo nos momentos mais inconvenientes, lá está o Bode tiroleando coisas. É para chorar de rir.

Voltando ao desenrolar do filme, pensei que eles fossem fazer referências a outros filmes, como fizeram com o sapo Pirueta no flashback explicando o porquê desse apelido com trechos do John Travolta em “Os Embalos de Sábado a Noite”. Mas me enganei. Depois disso, só a Vovó imitando o Tom Cruise em Missão Impossível, e a Chapeuzinho sendo amarrada e carregada como o Hannibal Lecter em “O Silêncio dos Inocentes”.

Basicamente, o filme é um passatempo despretensioso e com sacadas legais. Faltou um pouco mais de envolvimento na trama. Tiveram longos momentos sem piadas, o que esfria o público, além dos musicais bregas que só divertem as crianças e do drama dispensável e barato da Chapéu com a Vó.

Mas, para ter sido o primeiro, já está de bom tamanho. Querer algo � altura dos grandes nome do 3D já é pedir demais.

Provavelmente, poucos ouviram falar dele. Pelo menos, todos aqueles que não são realmente aficionados por cinema. Mas todos já viram traços do seu trabalho, do seu estilo. Aliás, ele deve ser o favorito de muitos, por tabela.

D.W. Griffith. É desse cara aí mesmo que estou falando. O pai do “cinemão” americano. Sim, o cinema hollywoodiano. Ele quem criou esse “modelo” de filmes que tanta gente adora ver. Ele quem ousou e delineou a linguagem cinematográfica na sua época. Ele quem primeiro trabalhou como um verdadeiro “diretor”.

Em 1915, Griffith lançou o filme “O Nascimento de uma Nação”. Um drama que tem uma história com fortes expressões racistas, ditas até indignas por alguns críticos de cinema. Entretanto, independente das recriminações em torno do conteúdo ou dos questionamentos sobre os valores colocados pelo filme, não se pode desmerecer o longa-metragem simplesmente pela importância e pelo marco na história do Cinema com o qual ele passou a ser lembrado.

O filme é preto e branco, obviamente, mas tem uma textura de sépia. Ele começa apresentando os personagens. Vale a pena perceber como ele realmente introduz cada elemento, dando informações a fim de situar o espectador na história que logo virá a se desenrolar, além de apresentar o ambiente. Esse detalhe de apresentar tanto os personagens quanto o ambiente ainda é um traço forte no cinema americano. Vendo “Dália Negra” foi que me lembrei mesmo como isso ainda existe, mais forte em certas décadas, mais sutil noutras.

A história de “Nascimento”, por sinal, é contada de uma forma envolvente e com uma perspectiva interessante, levando em consideração a época na qual o filme foi feito. Gostei bastante do fato de Griffith ter retratado as conseqüências da Guerra Civil através da relação entre duas famílias, uma do Norte e outra do Sul, fazendo conexões com determinados acontecimentos históricos, como a Guerra da Secessão, o assassinato de Lincoln e o nascimento do Ku Klux Klan. Ele poderia simplesmente ter retratado os acontecimentos históricos ou produzido uma ficção sobre duas famílias que se desentenderiam por motivos quaisquer. Entretanto, ele mesclou as duas idéias em um encaixe eficaz, levando o espectador a se envolver com a trama a partir da já citada introdução de personagens e dramas fictícios em um contexto histórico. Deve-se lembrar que tem diretor dos dias de hoje que não consegue fazer isso…

Pensando bem, o primeiro detalhe do filme que me chamou a atenção não foi a história, mas o tempo de duração do filme: 165 minutos. Em uma época na qual as pessoas eram acostumadas a ver apenas curtas-metragens, certamente esse tempo de produção foi uma audácia. Foi o primeiro filme a ultrapassar 100 minutos de duração, exigindo bem mais do espectador, principalmente levando em conta que o filme não tinha diálogos, apenas os textos escritos intercalados entre um momento e outro. Por sinal, nota-se aqui uma influência da literatura. E essa questão do tempo, nem a evolução do cinema deu jeito. De fato, hoje as pessoas tem mais paciência e sabem que vão a um filme para demorar no mínimo 40min, Mas mesmo assim, ainda vemos aqueles que “capotam” no meio da história, saem da sala entediados… Eu mesma admito que já me inquietei muito em filmes longos demais. “Alexandre”, “Ray”, “O Aviador”… Todos eles tiveram meus 5 minutos de “e-isso-não-acaba-não!”. É aí que digo que o cinema do futuro pertencerá aos curtas-metragens, já que cada vez mais, o tempo se torna um artigo raro.

Pois bem. Além do enredo de Griffith, me chamou a atenção o comportamento da câmera. Até então, a câmera era predominantemente estática, tendo a única e mera função de registrar o que estava sendo encenado. Algo extremamente semelhante a um espetáculo de teatro. Em “O Nascimento de uma Nação”, já se percebe uma câmera mais flexível e arrojada, direcionada a obter determinadas impressões, tornando-se um recurso de linguagem mesmo que timidamente. Mudanças de pontos de vista, close-ups, alternação entre planos, enquadramentos, profundidade de campo. Diversos recursos começam a definir a narrativa, recursos esses que, aplicados por Griffith, revolucionaram a maneira de se fazer filmes, estabelecendo inovações que são utilizadas nos dias de hoje. Em relação � câmera, um dos momentos que lembro que me surpreendeu foi quando uma das personagens anda em direção � câmera, criando a idéia de espaço além do plano, tornando aquilo um recorte de um mundo expandido além dos limites do enquadramento.

Percebe-se muito a utilização de planos gerais ou planos de conjunto, além da aplicação dos cortes mostrando ações paralelas com o cuidado de manter a noção de continuidade – e conseguindo. Fica bem clara a utilização da decupagem clássica, refletida diretamente no modo da narrativa, que justamente por apresentar uma história mais complexa e detalhada, exigia a representação simultânea de dois espaços, principalmente quando havia perseguições. “O Nascimento de uma Nação” apresenta a trama linear, com roteiro e marcação de cenas. Griffith realmente delineou o papel de diretor.

As cenas de batalha filmadas de longe ou com a câmera posicionada de forma mais incisiva gera a sensação de espetáculo, semelhante a sensação que os filmes comerciais de hoje passam. Interessante a utilização de bombas de fumaça e de filtros para provocar mais realismo ao público, e a orquestração durante as batalhas são memoráveis. O conjunto que trabalha para captar o envolvimento do espectador.

As próprias interpretações estão mais exigentes, a câmera trabalha junto com os atores para melhor expressar as emoções e acontecimentos. As imagens passaram a expor com mais detalhes as expressões faciais dos atores, possibilitando uma encenação mais contida, diferenciando-se do teatro.

Há ainda a presença de fades entre o texto e a seqüência seguinte, assim como também entre os cortes de duas seqüências, mostrando elipses temporais.

É inegável a sua influência na estrutura narrativa do cinema hoje. Os personagens, a criação do conflito, o clímax, a solução. A demora em determinadas cenas, ora para aumentar o suspense, ora para romantizar o momento. Griffith não criou os recursos, mas soube usá-los como ninguém havia feito até então, virando um mito do cinema mundial.

Depois de todo o sensacionalismo da época, cinco anos depois resolvem fazer um filme abordando o acidente do World Trade Center. O famoso 11/9. Com Oliver Stone na direção, a minha expectativa ficou confusa. Na verdade, a única coisa que soube dizer ao certo após sair da sessão foi: me livraram do sensacionalismo ridículo.

Política é um daqueles três assuntos que não é aconselhável discutir, certo? E religião também, não é? Imagine, então, um evento que junta esses dois assuntos e ainda mexe com a (in)sensibilidade humana. Mistura inflamável, certo? Aliás, literalmente inflamável, tendo visto a guerra no Iraque depois…

Mas não vou me ater � s homéricas discussões do 11/9. Aquilo ali, para mim, foi apenas mais uma desgraça no livro da história humana, e não foi nem de longe a maior. Apenas foi nos EUA, país prepotente o bastante para se achar o centro do mundo, intocável, que tem uma grande máquina de comunicação a seu favor. Por algum caso, as mortes desumanas na África foram citadas de forma tão intensa? Sim, aquelas pessoas que morrem de fome ou são assassinadas em bandos todos “santo” dia. Ou as mini-guerras que o Bush tanto almejava? Não, não. Então, não vamos ser injustos, certo?

Existem sim filmes que retratam os absurdos que acontecem em outros países. “O Jardineiro Fiel”, “Amor Sem Fronteiras”, “Senhor das Armas” – e não vou citar os filmes brasileiros porque acredito que eles são bem melhores nesse ponto do que os americanos. A impressão que eu tenho é que todos tem o tom de ficção maior que o tom de realidade. É como se aquilo fosse distante da nossa realidade e não tivesse efeito algum, talvez por não ter sido televisionado e dissecado pela imprensa. Sim, o acidente das torres gêmeas foi transmitido quase que ao vivo, e isso influiu em muita coisa. Mas não vamos tornar maior do que é. Vamos cair na real, certo?

Pois bem. Aí chega Oliver Stone, com a fama de controverso, e resolve fazer um filme sobre essa mistureba toda. Baseado nas porcarias que eu vi logo após o acidente, exceto o documentário do Michael Moore, eu fiquei extremamente decepcionada: lá vem! Felizmente, tive um resultado bem melhor quando saí da sala de exibição.

Não achei o filme sensacionalista. Acho que ele foi humano. Tratou de forma até normal, levando em conta as pessoas que foram afetadas no dia do desabamento. Não houve esclarecimento sobre o porquê nem sobre quem. Bin Laden nem foi citado, nem ninguém do Oriente Médio. A suposta febre terrorista foi controlada. E o petróleo não apareceu nem em forma de gasolina. A única coisa que interessou mesmo foi a dupla de policiais que ficaram soterrados e as suas respectivas famílias. Por sinal, sou suspeita a falar, mas adorei o Nicolas Cage no papel, principalmente com aquele bigode! E acredito que os dois policiais e as famílias são espelhos de outros.

Agora, alguns detalhes me chamaram a atenção.
Início. O começo do filme, sincronizando o acordar dos dois policiais e o relógio em cima da cômoda, fazendo um tic-tac insistente lembrando o som de uma bomba prestes a explodir. A idéia de duas vidas aparentemente diferentes que se tornariam tão próximas por uma desgraça que estava prestes a acontecer.

Questão Étnica. A seqüência de cortes que mostra o sobrenome de cada policial que seria voluntário para entrar na Torre 1, e conseqüentemente, ser soterrado. A maioria dos nomes, salvando o do Sargento John McLoughlin (Nicolas Cage), tem origem estrangeira: são latinos ou descendente de europeus. A primeira coisa que me passou na cabeça foi: e nem foram os norte-americanos que se lascaram, olha só. Uma viagem completa, talvez. Mas não tem aquela velha história da colonização: os menos favorecidos vão para a linha de frente de ataque ou para os serviços mais pesados. Sendo os EUA o país de primeiro mundo, o resto da América vira o quintal.

Jimeno e a filha. Michael Peña interpreta o personagem de Will Jimeno, o policial que faz companhia a John McLoughlin (Cage) nos escombros. Mas, a parte que me chamou atenção é que, assim como em “Crash – No Limite da Razão”, ele fez aquela cena que ficou na mente de todos que assistiram ao filme: o abraço emocionante com a filha nos braços. Flashback total para a cena de “Crash”, quando a filha tenta protegê-lo da bala com a capa mágica! Será que no próximo vai ter também? O cara gosta mesmo de crianças…

O Choro. A mulher do John, a Donna McLoughlin, ao contrário da mulher do Jimeno, não conseguia pôr pra fora o desespero. Ou vai ver, nem sempre todo mundo tem que chorar na hora da agonia, certo? Mas ela, ou por ter esperanças ou por não querer acreditar, ou quem sabe um pouco dos dois, não caiu no desespero e na fase ‘ai-meu-deus-fiquei-viuva’. Achei muito bacana ela ter conseguido fazer isso no final - deveria estar matando a mulher! e principalmente por ela ter feito isso na ala do hospital (um lugar até democrático) e nos braços de uma mulher que teve o filho desaparecido nos escombros. Mas não era uma mulher qualquer: ela era negra e seu filho era o ascensorista. Não era um alto executivo nem um norte-americano típico. Certeza aquela mulher e aquela história representam várias pessoas que foram afetadas naquele dia. O desabafo das duas abraçadas foi uma cena que me marcou durante o filme.

Patriotismo. Acho que além do patriostismo em alguns momentos, a vontade de ajudar e a preocupação com os feridos foi o que houve de mais humano e mais legítimo no filme. Mas falar sobre o WTC e não citar absolutamente nada sobre o patriotismo fanático que os EUA tem, seria meio absurdo. Então, assim como os outros personagens representam um grupo de pessoas, houve um outro personagem que representou essa massa fanática. O sargente Karnes. A cena dele no celular dizendo que “precisa pegar os responsáveis por isso” e que “deve haver contra-ataque” devem ser notadas. Muito bem colocado. E sem ofender ninguém nem ser exagerado. Apenas, apareceu.

Gravidez. Fiquei me questionando se o fato das duas esposas estarem grávidas era uma dose dupla de clichê ou uma mensagem subliminar de esperança, de futuro.

Clichês. Não digo que houve clichês descarados. Mas rola aquela sensação de “filme americano”. Mas vai ver foi sensibilidade demais. As conversas dos dois sobre a família, as sempre eternas frases de “diga para a Fulana que eu a amo”. A corrente humana que luta para salvá-los. Sim, isso aí todo mundo já viu. Mas emociona. E é verdade. Durante o filme, a primeira coisa que pensei foi: se isso fosse no Brasil, morri mais gente pela falta de recursos do que pelo acidente em si. Exagero, ta. Mas tem lá sua verdade, ora. Se o acidente fosse na hora do jogo ou do show dos Rebeldes/Tati Quebra-Barraco e o escambau, a atenção ia ser disputada!

Eu me acostumei a não criar grandes expectativas em relação a nenhum filme pelo simples fato de que a expectativa é diretamente proporcional � satisfação e igualmente proporcional � frustração. Felizmente, abri uma exceção para esse filme, e não me arrependi de forma alguma.

Pensando bem, acho que só me permiti ficar mais animada com o filme na semana que antecedeu o meu primeiro “encontro” com ele. Li várias matérias e fiquei imaginando como seria. No final das contas, nem lembro como imaginei. Só sei que adorei o filme e saí soltando foguinhos, super contente e satisfeita com o que vi.

Adianto logo que eu sei que o filme tem uma história pobre de tão óbvia, mas não são apenas os filmes “cabeça” que fazem a minha cabeça. Como já falei anteriormente, o que me interessa é a reação que o filme provoca em mim, mesmo que isso seja algo extremamente subjetivo e relativo. Mas é verdade, eu adorei o diabo no mundo da moda.

A começar pelo título: “O Diabo Veste Prada”. Eu sei que isso soa estranho e terrível para muita gente, mas eu simpatizo demais com o personagem do Diabo. E dispensem as ladainhas religiosas. O Mister D. faz o maior sucesso, já tendo estrelado grandes filmes e ganhado músicas geniais. Aí vem a parte mais óbvia: Prada. Definitivamente, bom gosto não está em discussão aqui. O título já exala a estética da produção.

Depois vem o elenco. Anne Hathaway. Ok, aquele “O Diário de um Princesa” nem de longe me desperta interesse, e eu criei um pouco de preconceito com a moça. Mas lembrando do seu papel em “O Segredo de Brokeback Mountain” como uma texana legítima, pensei duas vezes antes de prever algo. Quem sabe ela estivesse começando a escolher melhor os papéis e mostrando talento, que nem o Josh Harnett anda fazendo… Stanley Tucci. Esse eu sempre gostei. Seus personagens sempre foram convincentes. Prova da versatilidade e competência dele é o filme “Xeque-Mate”, que estreou recentemente aqui no Brasil, no qual ele faz o papel de um detetive, completamente diferente do profundo conhecedor de moda em “Diabo”. Agora você pára tudo e muda para outro parágrafo porque chega a hora da pérola do filme.

Meryl Streep. Magnífica. Não teria outra pessoa para fazer melhor esse papel do que ela. Ninguém com tanta moral, tanto charme, tanto talento. Para não dizer que eu não imaginei ninguém mesmo, eu pensei na Glenn Close, mas ela ficaria realmente beirando para o lado do Diabo mesmo… Enfim, Miranda Pristley está uma megera de causar medo e admiração encarnada pela premiada Meryl. Apesar de eu ter ouvido chiliques fenomenais escarrando a grande diva das telonas, isso prova apenas o quanto ela é boa. Afinal de contas, quanto mais importante a pessoa, maior o efeito nas pessoas.

Dito e feito. O filme começa bem. A trilha sonora está sensacional, empolgante desde o início ao som de KT Tunstall. Ainda teve uma canja do U2 – que eu particularmente gosto bastante, e óbvio, Madonna deixou sua marca. “Material Girl” e “Vogue” apareceram em momentos super oportunos, causando empolgação nos fãs e simpatizantes. Aliás, essa foi uma diferença divertida que percebi. Vou logo admitindo que assisti ao filme duas vezes. E já quero o DVD. A primeira vez, assisti com poucas pessoas, toda contida – na medida do possível. A segunda foi na esperada estréia nos cinemas daqui. A sala estava lotada e o ar-condicionado nem de longe conseguiu esfriar os ânimos dos pagantes. E a segunda vez foi muito melhor. Os comentários e os cantarolados pagaram o ingresso! “Ai meu Deus, Madonna!”, “Voogue! Adora essa música”. “Meu Deus, olha essa bolsa!” E o mais engraçado é que basta um acorde para despertar essa identificação toda. Mas se bem que eu ouvi coisas estranhas, do tipo: “Quem é esse daí?”, quando Valentino estava cumprimentando a poderosa “Mulher Dragão”.

Outra coisa que causou suspiros preocupantes foi o figurino. Bastava a sombra de um scarpin ou o relance de uma bolsa para algumas criaturas quererem pular na tela e levar para casa. Ali, todo mundo tinha o gosto pela moda. De diversas formas. Das saudáveis � s obsessivas. Vi gente vestida como se fosse provar que era digna de assistir � quele filme. Credo.

Mas enfim, voltando para o filme de fato. Ele é lindo. As roupas estão sensacionais. As músicas estão empolgantes… Quem gosta disso, vai amá-lo. E as interpretações estão super maravilhosas. Até a Emily Blunt, que faz o papel da primeira-assistente Emily e que eu não conhecia, está bem no papel. Fiquei surpresa. Nem o fato de história ser super clichê – salvando uns três momentos do filme, me deixou desanimada.

Agora, saindo do óbvio. O filme tem muitos pontos que me agradam. E que me causaram uma identificação tremenda. Um deles foi o dilema da jovem Andrea. Bem, um coisa que não posso deixar de falar: graças � Miranda ela amadureceu e deixou de se chamar Andy e passou a usar o nome mesmo. Andrea é tão bonito. E Andy é tão babaca… Mas sim, o dilema da Andrea. Atire a primeira pedra quem não conhece um “workaholic”. Ou alguém que tenha um celular tão gasguito quanto aquele, ou uma vida tão corrida quanto aquela. Para uns, aquilo é uma inferno. Para outros, um inferno bom de se ter, tão bom que o céu só pareceria convidativo se fosse um lounge com “open” bar. Essa variação de ponto de vista é sempre polêmica. E depende da personalidade e do limite de cada um saber que tipo de “workaholic” ser, ou melhor: que tipo de “workaholic” não ser. Mas o que vale é que aquela situação acontece com várias pessoas. Aquelas discussões entre os casais por motivos profissionais já virou pauta das DRs, e isso sim é um sinal da vida moderna. E eu tenho que desabafar: aquele namoradinho me deu nos nervos em alguns momentos…

Outro ponto que achei positivo foi o fato de não se exibir modelos, exceto a participação especial da Gisele Bündchen, que nem estava como top model. De qualquer forma, o filme não explora as modelos, nem a anorexia, nem o consumismo. Esse lado da moda já foi super explorado, e continua sendo. E deve continuar sendo. Mas “O Diabo Veste Prada” explora mais as relações, de trabalho e pessoais. Moda é uma área de trabalho, afinal de contas, e não uma brincadeira de escolher as roupas da estação. Pode parecer tolo e inútil para muitos, mas é uma área extremamente valorizada e rica no mundo atual. Não se trata apenas de estilistas, pessoas chiliquentas e cheias de fru-frus. Esse estereótipo só cola nos ignorantes. Trata-se de uma indústria, com pessoas competentes e empresários engajados.

“O Diabo Veste Prada” é um colírio para os olhos de quem gosta de moda, um divertimento despretensioso com ótimas atuações.

Sim, sim, sim. Eu já falei sobre esse assunto! Mas é que li algo sobre isso essa semana e quis puxar essa pasta mais uma vez. Até porque, agora meu foco não é as pessoas “cults” ou “pseudo-cults”, mas sim os próprios filmes! Sim, sim, sim: as películas vão para o banco dos réus!

Estava eu, distraidamente, passeando por uma livraria, encantada por todos aqueles livros caríssimos que eu adoraria poder levar para casa, quando avistei lá na estante das revistas algo do tipo “30 filmes cults do cinema”. Meu primeiro pensamento foi: se é filme, é quase óbvio que seja do cinema, né Chiquinho? Depois seguiu para algo do tipo: e por que mesmo que vocês não publicaram isso quando eu tive a idéia da coluna, hein? Ora, bolas… Lá fui eu buscar a revista para ver do que se tratava.

Foi quando achei uma matéria sobre os 30 maiores filmes cults do cinema. Rá! Voei para as páginas “cults” e percebi que não tinha muito – bem dizer, nada – a ver com o tipo de conteúdo que eu tinha colocado naquelas minhas duas colunas sobre “Filmes dos Pseudo-Cults”. Sim, porque eu tinha falado sobre as produções que eu achava que tinham essa fama de ser “filme de gente inteligente e etc tal”. E a revista nas minhas mãos estava falando sobre os próprios filmes, e diferencialmente, não estava se referindo aos supostos filmes “inteligentes”. O ponto divisor ali era diferente do qual eu havia colocado. E foi aí que eu gostei mesmo. Claro, é sempre muito bom ter visões diferentes.

Aí lá fui eu ler. E entendi que eles estavam listando filmes que marcaram o cinema. E quando digo marcaram, nem sempre foi porque o filme foi “inesquecível”. Aliás, pode até ser, mas nem sempre foi por seu talento na técnica ou por sua excelência no enredo. Exemplo? “Pink Flamingos” (1972). Uma história que fala sobre um travesti que deseja reaver o título de pessoa mais “podreira” do mundo deixaria até os carinhas do Jackass e os irmãos Farrelly enjoados. E é disso que se trata o filme de John Waters, filmado em dois dias e com baixíssimo orçamento. Imagina aí… Esse seria um DVD que eu daria de Amigo da Onça.

Mas nem só de horrores a lista foi feita. E nem só de produções “que até o Diabo duvida”. “O Massacre da Serra Elétrica” (1974) está no páreo, filme no qual Tobe Hooper diz adeus � sutileza com o seu orçamento de 300 mil dólares. Por que dizem que é cult? Ora, você nem deve ter assistido a essa versão de 1974, mas já viu ou pelo menos ouviu muito falar dos remakes, dos fãs e da lenda do Leatherface. Ai vem “Faster, Pussycat! Kill! Kill!” (1966), que nem de longe lembra o “Kill Bill”, falando sobre uma stripper karateca. Isso já basta para causar risos, né? E cinematograficamente falando, Russ Meyer escancarou o erótico e a violência, influenciando uma pessoa aculá que vocês já devem ter imaginado: Quentin Tarantino. Precisa ainda falar o porquê de ser cult?

Aí aparecem algumas figurinhas carimbadas: “O Estranho Mundo de Jack” (1993), no qual Henry Selick resgatou a animação em stop-motion, “Como Enlouquecer Seu Chefe” (1999), a suposta mancada de Mike Judge que virou sucesso quando passou para DVD e que conta com a atuação de Jennifer Aniston como garçonete! Aparece também “A Bruxa de Blair” (1999), a pegadinha que Daniel Myrick e Eduardo Sanchéz pregaram em todo mundo, alegando ser um vídeo verídico.

Eis que surge uma pérola que me emocionou só de ler: “Cães de Aluguel” (1992). Primeiro filme do querido Tarantino, que tarantaniou muita gente com os “moços coloridos” e a cena dos seis ladrões andando em direção � câmera. Como se não bastasse, o já falado e idolatrado – tanto que ensaia perder a graça, “Laranja Mecânica” (1971), mas que nunca deixa o posto de polêmico. Kubrick se tornou subversivo, levando em conta o momento e todo o efeito que o filme provocou, desde estudos aprofundados a fãs aprendendo o dialeto dos druguis. “Matrix” (1999) chega para dar uma passada também, e nem eu nem o Neo precisamos explicar o porquê. E “Donnie Darko” (2001) também não passa despercebido. Por sinal, ele foi muito bem lembrado por minha colega Yumi nas listas anteriores… E ele além de cult é louco. Richard Kelly deve ter sofrido para criar um coelho gigante que prevê o apocalipse e sai praticando o vandalismo por aí.

E de repente, não mais que de repente, me aparece o fantástico “Clube da Luta” (1999). Nossa, eu fico sem palavras. Como se não bastasse ter o Brad Pitt e o Edward Norton, dois atores que eu adoro, a história ainda é algo assim, bom demais. Quem não viu, tem que ver. E quem já viu, custa nada ver de novo – é, quase aquele “vale a pena ver de novo” da Globo, só que esse vale a pena mesmo!

E esses foram alguns filmes da lista que chamaram a minha atenção. E acho que a intenção da lista foi válida. É sempre bom lembrar dos filmes que marcaram época ou qualquer coisa. Seja por ser muito bom, seja por ser muito ruim. Aliás, devemos louvar a coragem dos que lançam lixos na telona… Serve como exemplo, ora. E se não tivéssemos algo tão ruim assim, não poderíamos comparar e enxergar outra coisa tão boa! Só não exagerem na dosagem…

Eu sempre me pego imaginando como seria a nossa vida mortal se ela fosse passada nas telonas. Mas, por algum acaso do destino – ou da película mesmo, nos últimos dias, me peguei pensando o contrário: como seriam certas situações do cinema se estas fossem colocadas na vida real?

Vamos logo ser práticos: tudo o que se vê no cinema, provavelmente saiu dos trilhos da vida real. Até mesmo o Darth Vader e o Gandalf. É sim, ou o diretor de cada um desses filmes não era humano, com uma criatividade extremamente fértil e alguns parafusos a menos? Quem disse que o Darth Vader não poderia ser aquele chefe megalomaníaco que invade o escritório para manipular e acabar com todos os estagiários que sonham em ser modelo da empresa? E quem disse que a Mary Poppins e a Noviça Rebelde não são o grito de desabafo de uma babysitter, de uma faxineira, de uma “Marinete” estrangeira?

Certamente, todos os personagens que marcaram nossa ida ao cinema devem ter marcado, antes, a vida do diretor ou do roteirista, a ponto de eles buscarem inspiração nisso e colocar no filme. Imagina aí. Se você pudesse transformar em filme algumas cenas da sua vida, que cenas pegaria? Aquela briga fenomenal com o namorado(a), tanto aquela em que você dá uma de megera indomada e acaba com ele, quanto aquela que ele joga você no chão, chama de lagartixa e bate a porta – algo no estilo de “Sr. e Sra. Smith”. Ou aquela reconciliação super romântica, tão “i will always love you”, que o câmeraman teria ficado diabético? Ou aquele pé na bunda digno de uma garrafa de vodka e alguns dvds ao estilo flashback para sofrer ao som de “more than words to show you fell”, parecida com “Bridget Jones”?

O cinema se mistura com a vida e a vida se mistura com o cinema. É por isso que nos identificamos tanto com certos filmes. Por isso nos emocionamos tanto. E odiamos tanto também… Quem não sentiu uma ponta do chifre nascendo ao final de “Closer”? Com aquela voz do Damien Rice dizendo que não poderia tirar os olhos de você? Aposto que teve um grupo de “acompanhantes” que olhou o parceiro de rabo de olho e pensou: será? E aposto mais ainda que teve outra “banda” que olhou e pensou: será que ele(a) desconfia? Claro que teve. “Closer” é um dos filmes que fala da vida nua e crua. E pior, de um assunto super popular na relações: síndrome da infidelidade justificada. “Bridget Jones” é outro. Duvido que a maioria das mulheres não tenha se identificado com a simpática Miss Jones em algumas situações. Tá bom que provavelmente, se a Bridget fosse passar para a vida real, ela não teria aquela sorte toda de arranjar um canalha lindo como o Daniel Cleaver, muito menos um partidão charmoso como o Mark Darcy. Poderia chegar perto, mas ia demorar, hein? Se alguém achar por aí, me avisem!

E imagina ai se a vida fosse um musical. Hilário! Essa foi a primeira palavra que me ocorreu. Como brincou um professor da faculdade, o famigerado Bittencourt, até os ônibus entrariam na história. “Trocador, quero o meu trocô!”. E os passageiros, todos sincronizados e empolgados, “Dê o troco, Dê o trocô!”. Olha só… cada uma teria uma trilha sonora. E você poderia até antecipar o que iria acontecer com você dependendo da música que começasse a tocar. Por exemplo, se viesse a vinheta do Plantão da Globo ou de “Psicose”, era melhor você sair correndo. Como já diria uma amiga minha, “o rabo era um rei”! Mas se viesse uma musiquinha estilo “Ghost – Do Outro Lado da Vida”, você poderia partira para o abraço. Ou se começasse a tocar um “I Fell Good”, era hora de curtir a vida adoidado. Seria bem legal, né? Mas por enquanto, e pelo menos por aqui, a única trilha sonora que aparece inevitavelmente na minha rotina é o forró da minha vizinha, que passa a ser combatido ferozmente pelo meu “bom-gosto player”.

Olha só, “O Show de Truman”. Vai ver o diretor tinha síndrome de perseguição e teve um ataque de ansiedade no meio de um supermercado, agoniado com todas aquelas câmeras. Aí ele escuta a voz do gerente avisando “Atenção, cliente problemático no portão B” e no subconsciente dele, e na loucura também, ele imagina a vida dele vigiada por câmeras e guiadas por uma voz do além.

Ah, são tantas cenas que podem ter inspirado filmes e tantos filmes que podem coincidir com cenas do nosso cotidiano. É divertido procurar essas coincidências e semelhanças. Quem sabe você não tenha alguns takes de fama, achando-se em algumas situações do cinema…

Continuando o que eu falei na semana passada, a coluna dessa semana trás a Parte II daquela hipotética lista dos filmes dos “Pseudo-Cults”. Como na coluna passada eu já havia dissertado sobre o tema, agora eu vou apenas repassar mais uma parte da listinha.

Ao contrário do que eu tinha dito semana passada, eu achei uma denominação para “cult” no dicionário, mais especificamente, no dicionário Koogan-Houaiss. Quem quiser se aventurar procurando, aí está. Mas a de “pseudo-cult” ainda não foi adicionada… De qualquer forma, quem quiser se informar mais, procura o verbete “cult” + “pseudo” + “moda” + “tendência” + “volúvel” + “vazio” + “encenação” que você deve achar algo parecido…

Os Sonhadores (2003). Talvez por ser uma metalinguagem do cinema, por ter por si só um clima meio intelectual, aquele ar de estudante rebelde, ousado e prepotente, “Os Sonhadores” se encaixa perfeitamente nos anseios “pseudo-cultistas”. Assim como Giuseppe Tornatore em “Cinema Paradiso”, Bernardo Bertolucci investiu na metalinguagem, mas de uma forma completamente diferente. Enquanto “Cinema Paradiso” é mais emocional, sensível em todos os aspectos, bem mais puro e humano até, “Os Sonhadores” é uma história mais específica, sensual e ousada, que gira em torno de três personagens distintos e tem como fundo o Cinema Novo e as questões sociais e protestos da juventude da época. Mas isso é só pano de fundo mesmo. É um bom filme, e para os psicólogos, a personagem de Eva Green é um prato cheio. Mas acho que algumas pessoas exageram nos elogios… Potencializam e intelectualizam até o vácuo, se duvidar.

Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembraça (2004). É um filme louco. Extremamente inteligente. Por isso tem a fama de louco. E a protagonista expressa toda essa complexidade simpática nas suas madeixas. “Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembrança” é capaz de causar grandes discussões, muito riso e muito choro, principalmente naqueles que compartilham experiência igual ou semelhante a do casal, Clementine e Joel . Kate Winslet e Jim Carrey estão ótimos. Até me espantei porque nunca havia imaginado nem um nem outro num drama daquele… E muito dificilmente alguém os escalarias para algo “cult”. Mas entraram no projeto e se saíram muito bem. Gosto demais desse filme. E não só eu. Argh! Tem gente que só porque sofreu uma dor de cotovelo, elege “Brilho Eterno” como filme da sua vida, e de uma hora para outra, pessoas que se faziam de inatingíveis, dissecam seu “sofrimento” se comparando � Clementine, querendo pintar os cabelos e ter Alzheimer genérico e específico também. Como Ana Lee fala: é o filme da minha vida! Credo, viu. Esse é filme de “pseudo-cult” demais. Além de ser filme, é fonte de inspiração para como se tornar um sofredor. Porque o sofrimento é arte. Ui! Tem gente que confunde o fim de uma relação íntima com arranhão proposital no cotovelo… E dessa confusão, vem a idolatria vazia � esse tipo de filme.

Edukators (2004). Ai vem a onda dos filmes estrangeiros, e quando digo “estrangeiros” me refiro aos filmes não-americanos, já que o cinema mais conhecido é o deles e quando não são eles, são estranhos. Daí surge a falsa idéia de que todo filme europeu faz sucesso, provavelmente pela fama artística que a Europa tem. Como eu suspeito, deve ser o sotaque diferente que cativa as pessoas… O cara pode falar a maior besteira do mundo, o maior clichê, mas fez biquinho, cuspiu rápido, falou com charme, tá valendo. É aqui que lembro de ” Edukators”.

Kill Bill (2003). Ok. Eu realmente nem acho que esse seja um filme de “pseudo-cult” de verdade não. Mas ele é do Tarantino, e Tarantino é ícone “pseudo-cult”, sim. Porque ele é louco. Loucura deve ser coisa de “pseuco-cult”… Como ouvi Ana Lee hoje dizendo: eu não gosto de coisas normais, de coisas que todo mundo tem. Então, filosofo eu nessa atitude - nada clichê… – e penso que, como o normal é ser normal, ser louco vai virar – se não já virou – moda. Crazy Fashion Show. Sei lá. Então, meu querido Quentin Tarantino tem que aparecer na lista. E esse, para mim, foi o filme dele mais banalizado e idolatrado � toa. Mesmo assim, o filme é muito divertido, a Uma Thurman está de dar inveja aos sedentários e aos samurais, mas eu ouvi muita gente babando nele sem motivo aparente. A Ana Lee tem fortes motivos. O tênis amarelo que ela comprou na semana seguinte, por sinal, é um deles. Eu acho “Pulp Fiction” e “Cães de Aluguel” muito melhores, desculpa aí. Mas aí já exigir demais dos “pseudo-cults”, né? Vamos combinar… Eles teriam que pesquisar um pouco para descobrir… E já me falaram que pensar dói.

Ok. Já estiquei demais o assunto, certo? E ele já deixou de ser novo. Eu quis apenas cutucar. Digamos que as últimas duas colunas foram um desabafo, e acredito demais, não foi apenas meu.

Como muitos já falaram por aí, Cinema é paixão de muita gente. E eu até acredito que ele faça mesmo parte do gosto de várias pessoas mesmo. Minhas dúvidas são sobre o real motivo para essa preferência. Tem aqueles que gostam por gostar, aqueles que gostam e apreciam de perto, aqueles que até estudam e fazem cinema e aqueles que gostam porque, assim como diversas outras coisas, o Cinema tem alguns valores agregados. É aí que aparecem os “Pseudo-Cults” e seus filmes favoritos…

Inteligência. Bom gosto. Sensibilidade. Alguém diz mais? Mais alguma característica que a Sétima Arte pode agregar a uma pessoa? Acredito que podem ser várias, e como vivemos hoje na Era da Aparência, uma época na qual as pessoas se preocupam mais em “parecer” do que em “ser” realmente, é bem capaz de terem elaborado um “Manual de Como Parecer ____ - escolha sua opção”. Um desses manuais deve ter sido “Lista de Filmes Para Ser um Cult”.

Para começo de conversa, eu nem sei ao certo o que é uma pessoa “Cult”. Nem do lado verdadeiro e bom da palavra, nem do lado falso e pretensioso da coisa. Mas deve ser algo distinto e respeitável, porque está mais comum do que corrupção no Senado. Também não vou entrar na polêmica de se é bom ou ruim ser “Cult”. Essa crise existencial eu deixo para os que escolherem levar essa bandeira. E na verdade, eu acho simpática e divertida essa rotulação que rola por aí. Principalmente, quando se vê que os filmes estão sendo comentados – bem ou mal. Afinal, como já diria aquele lema dos aspirantes a popularidade, “falem bem ou falem mal, mas falem de mim”.

Pois bem… Essa semana, eu fiquei pensando naqueles filmes que sempre estão na boca daqueles que querem exalar intelectualidade com aquele típico ar blasé. Agora, vamos deixar claro que eu não estou dizendo que os “filmes” são “pseudo-cults”. Não são os filmes que querem ser metidos a intelectuais ou “artísticos” demais. Estou chamando as “pessoas” de “pseudo-cults”, e pretendo citar alguns filmes que elas gostam de exibir. E a maioria são filmes realmente bons, renomados e respeitos, mas claro, deve haver aquelas viagens psicodélicas, abstratas até o último quadro, que ninguém entende, mas, é arte! Quase uma paródia da história “A Roupa do Rei”, que dizia que só os inteligentes poderiam enxergá-la, enquanto na verdade, não existia roupa alguma. É aquela situação na qual a pessoa não entende absolutamente nada do filme, mas sai dizendo que é maravilhoso, tão maravilhoso que ela não tem palavras para descrevê-lo.

Pedi, então, ajuda para a minha companheira de papos cinematográficos, Ana Lee, uma cinéfila que odeia qualquer futilidade, qualquer superficialidade, qualquer coisa que não pareça ou seja relacionada � imagem que cuidadosamente criou para si. Ana Lee se entitula uma jovem intelectual. Gosto muito de ouvir seus pensamentos sobre os filmes que assistimos juntas algumas vezes… Aprendo bastante, sabe? Quando comentei o tema da coluna dessa semana, ela ficou extremamente empolgada e me ajudou a escolher alguns filmes. Ironicamente, metade deles estava na sua lista de filmes favoritos do Orkut…

O primeiro filme que me veio na cabeça foi “Sociedade dos Poetas Mortos” (1989). Esse foi um dos primeiros filmes ao qual eu assisti conscientemente, o qual me emocionou e marcou. A cena dos alunos subindo em suas carteiras reverenciando o velho professor, personagem do espetacular Robin Williams, gritando “Oh Capitan, My Capitan” me causa arrepios até hoje. Nem sei se todos percebem a sensibilidade daquela história, as aprendizagens obtidas durante o filme, o peso das experiências de cada um, as diferenças entre cada integrante do grupo de poesia secreto… É um belo filme. Foi ele quem eternizou para mim o “Carpe Diem”, que depois ficou tão comum que virou nome de perfume e desculpa para danações… Aí me fica a dúvida: todo mundo gosta mesmo do filme, se envolve com ele e se emociona, ou apenas aproveita o apanhado de elogios que ele tem, o ar artístico e sensível, e encarna o lado Neil Perry (Robert Sean Leonard) de viver a vida?

Outro que entrou na lista foi um muito comentado por Ana Lee. Ela gosta muito de falar sobre o cinema antigo. Principalmente sobre como “Casa Branca” teve uma influência política na América do Norte, originando o nome da casa do Tio Sam… Esse filme eu nunca tive a oportunidade de ver, mas quando ela caiu na felicidade de falar sobre o mesmo, eu me lembrei do clássico “Casablanca” (1942), do beijo apaixonado de Humphrey Bougart e Ingrid Bergam ao som de “As Time Goes By”. Meu Deus, como tem gente que endeusa aquela filme. E eu gostei. Mas não achei a oitava maravilha do mundo na primeira vez que vi. É, vai ver não sou tão intelectual assim… Mas é que demorei para me acostumar com o estilo dos atores, aquela atuação meio estática e aquela textura diferente. O que sempre gostei mesmo foi da música. Mesmo antes de conhecer o filme, já arranhava tocar aquela melodia. Diz a Ana Lee que eu não tinha a veia artística desenvolvida na época, que ela desde o início admirou a beleza e o trabalho da Katherine Hepburn, que até hoje eu procuro nos figurantes de “Casablanca” e nunca vi… Ela realmente tem um olhar diferenciado!

E continuando nos filmes antigos, para os mais “Pseudo-Cults” mesmo, não pode faltar “Cinema Paradiso” (1989). Nesse eu me transformei em manteiga derretida em fogo alto. Que filme lindo. Que metalinguagem belíssima do cinema. Ai, claro, vem aqueles que dizem que o filme é ótimo por causa do menino Salvatore, do sotaque italiano, da simplicidade e ingenuidade dos personagens. Enfim, uma infinidade de coisas. A dúvida que continua é se eles realmente chegaram a essas conclusões ou se leram no artigo mais próximo na Internet e decoraram as frases difíceis daquele estudioso. A impressão que eu tenho é que tem gente que pega aquelas listas “10 melhores filmes do mundo” e já adota como “filme de sofá”, tal qual os “livros de cabeceira”.

Avançando um pouco no tempo, tem um filme que conseguiu até me despertar abuso de tanto enxame que fizeram em cima. Principalmente, o alarde que fizeram para a protagonista do filme, que agrada, mas ainda tem que aprender, principalmente no que diz respeito a diminuir a “síndrome da maçaneta” (aquele ator/atriz que sempre tem a mesma cara, o mesmo estilo de papel…). O filme? “O Fabuloso Destino de Amélie Poulain”(2001). A atriz? Audrey Tautou. Polêmica, não? Demais. Eu saí do cinema embasbaca com esse filme. Super singelo e mesmo assim, profundo, muito interessante e a personagem da Amélie conquista todos pela sua simpatia. E é aí que surge o problema: metade do mundo cismou de ter ataques de ciúme pela Amélie, esqueceram até o nome da pobre da Audrey, e saem por aqui dizendo que “O Fabuloso Destino” é seu filme favorito. Ana Lee adora, porque é francês. Ela, claro, já está nas aulas de francês e vez ou outra, eu a pego na frente do espelho ensaiando seus biquinhos.

O filme realmente é bom. A atriz também está bem. Mas eu nunca ouvi falar que ser meiga merecia aplausos. Se fosse assim, os ursinhos carinhosos estariam no Top dos desenhos, com horário nobre no Cartoon NetWork e companhia limitada até hoje, e as personagens boazinhas teriam muito mais sex appeal e fãs do que as malvadas/canalhas. E engraçado que até parece que a Audrey só tem esse filme… Tem tantos. Se duvidar, tem gente que acha que “O Código DaVinci” encerrou sua filmografia… Ok, em alguns filmes ela me passa a impressão de tapioca mal-passada e só se destaca pelos ataques de nervos que causa (“Albergue Espanhol” e “Bem Me Quer, Mal Me Quer”). Mas isso é bom, certo? Mexer com o espectador, positiva ou negativamente, é o intuito do ator. Por isso, gosto do trabalho da Audrey. Não porque ela é fofa. Não mesmo, hein?

Outro filme clássico é o “Laranja Mecânica” (1971) do complexo Stanley Kubrick. Acho que esse é pau-a-pau com o “Amélie”. Em ambos, os protagonistas viraram “ícones cults”. Tem até blusa e almofada. Chiques, não? Eu acho “Laranja” espetacular. Que filme doido! E o livro não fica para trás. Sim, existe um livro, escrito pelo Anthony Burges, que criou todo aquele dialeto e aquela realidade dos Druguis comandados por Alex DeLarge. Fantástico. Justamente por causar tantas reações diferentes. Alguns tem abuso, outros acham sensacionalista, outros acham psicodélico demais, outros admiram o comportamento rebelde dos druguis, outros estudam e não cansam de achar novas abordagens. É um carnaval de reações.

Para mim ele é “pseudo-cult” porque a maioria das pessoas que citam ele com tanta reverência, nem conhecem Kubrick e suas outras obras, não reconhecem o traço dele na direção, apenas repetem as mesmas frases-feitas sobre Alex ou sonham em tomar aquele leite batizado – que eu não nego, eu também tive vontade de experimentar! É um filme que provoca questionamentos. E alguns bem estranhos, tipo o que a Ana Lee teve quando viu o filme: E aonde foi parar a tal laranja? Eles não bebem leite?

Ah, ainda tem vários filmes que entram para essa lista, mas aí eu correria o risco de vocês não chegarem até o último parágrafo! Vou então trazer o resto do “manual” próxima semana, na Parte II.

Mas, antes de finalizar, queria voltar a falar dos supostos “Pseudo-Cults”. E não só deles, dos “Cults” também. Pena não ter no dicionário – pelo menos, ainda - a descrição dessa palavra. Penso que ela deve ter relação com cultura, certo? Logo, informações, conteúdo, arte… E isso costuma ser valorizado por muita gente. Pessoas inteligentes, com larga bagagem cultural, são normalmente respeitadas, admiradas… E quem não gostaria de ocupar esse lugar? Deve ser dessa vontade, dessa carência de atenção, que veio essa denominação. Vai ver é o neologismo para “intelectual”.

O que acho engraçado é que tem toda uma regra para isso. Para ser “cult”, para ser “intelectual”. Você deve ler tantos livros por semana, ver tantos filmes por mês. Deve freqüentar determinados lugares, evitar certos tipos de pessoas… Ser contra teses tais e apoiar atitudes X. Na verdade, acho que esse é o comportamento do “pseudo-cult”. O “cult” nem deve saber que é “cult”. O “cult” deve ser aquele que nem venera ter bom-gosto, simplesmente tem. Não ostenta os filmes que já viu, nem as bandas underground que conhece. Simplesmente aprecia. Ele não evita ou tem fobias de nada, pelo contrário, está sempre disposto a conhecer de tudo. E estar aberto ao novo e ao qualquer não é ser eclético, é apenas ser curioso e instigado. Aceitar tudo e não filtrar nada, isso sim é ser eclético, e para mim, é apenas uma forma bonita de dizer que não tem gosto algum.

Nessas horas é que me lembro do baixinho narigudo da Grécia que dizia “Só sei que nada sei”. E por sinal, ele também deve ter virado ícone “pseudo-cult”, e a frase dele, nem se fala. Pena que nem todo mundo pensa o que fala. Se assim fosse, a linguagem de sinais já estaria nos cinemas… E desse novo cinema mudo, Chaplin não se orgulharia.

O nome do filme não foi escolhido � toa. Deve ter sido escolhido na tentativa de resumir ou sugerir os efeitos que aquela história causaria nas pessoas (personagens) que participaram da trama e nas pessoas que assistiram ao filme. Espantosamente, ele é mesmo “Irreversível”.

Desde o início da coluna, aviso logo. Juro que tentei não expor tanto o filme, a ponto de prejudicar a expectativa daqueles que não o assistiram. Mas não consegui. Até peguei leve, mas alguns detalhes tiveram que ser revelados. Então, se você não conferiu ainda essa película, e quer vê-la genuinamente, deixe para ler a coluna dessa semana depois. Caso contrário, seja bem-vindo.

Segunda coisa que devo dizer é que já cansei de ler tanto artigos maravilhosos sobre ele, como coisas pejorativas. E nem digo que não entendo os “opositores”. Realmente, é um filme polêmico e para os ingênuos de plantão, pode até ser classificado como “enxame para chamar atenção”. Mas cada um tem sua visão, certo? E eu gostei de ter tido a chance de conhecer a visão de Garspard Noé. É uma sensibilidade através do grotesco, talvez…

O começo é estranho. E quando digo o “começo”, me refiro ao começo mesmo, ao início do começo. Mas, pensando bem, o começo do filme não é o começo que costumamos pensar… Ah, estou falando do filme como produção audiovisual, certo? Não tanto da história. Então, sim, o começo do filme já te faz levantar as orelhas. Eu até pensei que o DVD estava com defeito, e depois de alguns minutos, fiquei me perguntando se tive muita sorte ou muito azar por não ter visto essa produção nos telonas… Resumindo, depende do seu ponto de vista. O que acontece mesmo é apenas uma inversão dos pontos de partida e de fim. Sensacional. Algo feito também em outros filmes, mas cada um com seu intuito e forma diferente: Amnésia (2001) de Christopher Nolan e Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino.

Essa alteração na linearidade da exposição dos fatos da história é extremamente interessante. Ela altera de forma brutas as emoções do expectador. “Irreversível” nos passa primeiro a resolução do “problema”. O que antes traria uma reação do tipo “bem feito”, causa a priori algo que nem sei como descrever. Um absurdo, uma vontade de esculhambar o “animal” que ali está presente na forma de homem. Garspard Noé usa essa estrutura narrativa para brincar com as nossas expectativas. Nos “joga” personagens desconhecidos e só depois, segmento após segmento, que nos familiariza com situação vivida por Marcus e Pierre (Albert Dupontel), aparentemente, tão normais quanto qualquer um de nós. Realmente uma inversão sensacional.

A câmera. A impressão que ela me deu foi de emoção � flor da pele. Pensei até que, talvez, ela estivesse ligada diretamente ao estado emocional de Marcus (Vincent Cassel), mas um tempo depois, desisti. Acho que ela segue o tom da história. E devemos dizer que é um tom extremamente inquieto, com as emoções condensadas e concentradas. É um detalhe perturbador do filme. Contribuiu significantemente para o tom do filme.

“Irreversível” não é o tipo de filme que quer dar respostas ao espectador. Até porque a história é cronologicamente curta e simples, o que não anula a intensidade e a rebeldia que ela provoca. Ela é contada de forma peculiar. De trás para frente, causando reações adversas. Acredito que seja mais do tipo de filme “laboratório”. Aquele filme que explora as ações e reações humanas. Como li uma vez, ele provoca pelo desejo de provocar, de incomodar, cutucar. Ele choca. Nem de longe é um filme leve. Eu admito que fiquei tonta nos primeiros minutos e achei espetacular ele ter conseguido me passar uma emoção tão intensa e diferente.

Há quem diga que ele possa ser forçado. Mas e daí? É uma ficção, não um documentário. E atire a primeira pedra quem acha a história absurda o bastante ou inverossímil demais para ser comparada com a nossa realidade. Faça o favor de cair na real. Ou se contente com os filmes pré-fabricados de Hollywood.

Ele aponta vários temas, mas não discute necessariamente nenhum. Sexo, homossexualismo, indiferença, rebeldia, vingança, frieza, maldade, nojo, perversão, preconceito, impulsividade, justiça, descoberta, surpresa, drogas. Uma mescla densa. E talvez não seja “politicamente correto” porque não levanta nenhuma bandeira explicitamente. Aí vai da cabeça de cada um.

No final, o filme de Gaspard Noé revela-se um amargo ensaio sobre a impossibilidade de corrigir acontecimentos determinantes. A inversão narrativa permite uma maior reflexão sobre o tema; se a estrutura fosse cronológica, mais facilmente tomaríamos o material como uma simples, ainda que brutal, história de vingança e os temas que permeiam a história de Alex, Marcus e Pierre não seriam tão eficazmente desenvolvidos.

E claro, não poderia citar esse filme sem falar de uma das cenas mais, mais… Mais intensa do filme - sim, porque outras palavras seriam censuradas. Monica Bellucci encara a cena de estupro mais fria que já tive o (des)prazer de ver. Cinco minutos que nos fazem pensar o que Darwin quis dizer com “evolução da espécie”. Sabe? E não, aqui não cabe uma piada, justamente porque é um assunto infeliz e a cena é cruel. E não é tosca, sensacionalista e muito menos apela pro lado erótico. Ela é crua. Esse foi um dos momentos que pensei: ele vai mesmo filmar isso tudo? Cabra quente…

O contraste entre o “começo” e o “final” do filme são absurdos, quase chegam a anestesiar. As cores, a música, a situação, o ambiente. São extremamente opostos. Realmente, é um filme que faz pensar, que choca, que marca. Irreversível.